Pressespiegel

Feministischer Cyborg

„Der Sandmann“ als Performance von SKART am Staatstheater Darmstadt

Es hätte keines Beweises bedurft, dass E.T.A Hoffmanns erstmals 1819 erschienene Erzählung „Der Sandmann“ weit mehr ist als gut abgehangener Prüfungsstoff für Abiturienten. Doch die Musik-Video-Schauspiel-Performance, die nun vom Duo SKART (Philipp Karau und Mark Schröppel) in den Kammerspielen des Staatstheaters Darmstadt uraufgeführt wurde, ist so atemberaubend gegenwärtig dass man sich in manchen schmerzhaften Momenten nach einer der vielen braven Schüleraufführungen sehnt. SKART bringen den Zuschauer dabei immer wieder an Grenzen, durchweg schön anzusehen und  anzuhören sind die 70 Minuten nicht.
Anfangs konnte man noch meinen Anja Gläser, Karin Klein und Johanna Serenety Miller sprechen in chronologischer Ordnung den Originaltext. Da berichtet zunächst der Student Nathanael seiner Verlobten Clara in einem Brief von schaurigen Kindheitserlebnissen in mit dem vorgeblichen Sandmann, da antwortet die Rationalistin mit guten Ratschlägen und Liebesbekundungen. Im Hintergrund freilich tut sich da schon höchst Befremdliches. Eine in ein aufgeblasenes Gummikostüm gezwängte Figur tanz und kullert über die Bühne, mit einem Laubbläser werden Plastikplanen weggeblasen und enthüllen halb naturwissenschaftliche, halb aus einem Horrorkabinett stammende Bilder von Köpfen und einer Schulbuchdarstellung eines schwangeren Unterleibs. Ausgestopfte Tiere erinnern an ein Naturalienkabinett, aber was hat darin eine Madonnenfigur zu suchen?
Ein lebensgroßes Pferd wird hereingeschoben, darauf sitzt eine Frau und seufzt immerfort zum brüllenden Forte der elektronischen Musik den einzigen ihr möglichen Laut „Ach“. Natürlich ist es die Puppe Olimpia, von deren Lebendigkeit einzig Nathanael, in seiner Wahrnehmung spätestens durch den Kauf eines Seerohrs beim dubiosen Wetterglashändler Coppola der Wirklichkeit entrückt, felsenfest überzeugt ist. Als er mit ansehen muss wie Coppola und der nicht minder zwielichtige Professors Spalanzani die Puppe im Streit um die Urheberschaft zerreißen, verfällt er vollends den Wahnsinn und muss ins Irrenhaus. Dies alles wird vorgelesen, an keiner Stelle wird hier am naturalistischen Sinn ein Schauspiel mit Figuren und Dialogen geboten. Der Text wird zerhackt, nach Belieben wiederholt, ab und zu auch mit direkter Ansprache des Publikums in Gegenwartssprache übersetzt.
Doch zum Kern kommt diese von Videoeinspielungen, einem filigranen Glockenspiel-Musikautomaten und immer neuen Geräuschattacken begleitete und unterbrochene Inszenierung erst, nachdem Nathanael sich zu Tode gestürzt hat. Bei Hoffmann gehören dann die letzten Sätze der Erzählung, nicht ohne Ironie dem künftigen Eheglück der herzensguten Clara. Bei SKART aber betreten nun Wesen mit Neonmasken und gigantischen Gummiköpfen die Bühne, als hätte sie ein Science-Fiction-Film ausgespuckt. Sie fordern einen radikalen Perspektivwechsel und preisen das Mensch-Maschine-Mischwesen Olympia als eigentliche Heldin des Stücks, als feministischen Cyborg, der die von Männern bestimmten Gender Zuschreibungen überwindet und neue Spielarten des Eros, des Umgangs mit Geschlecht insgesamt propagiert.
Dieser Pamphlet-Schluss wirkt leider trotz aller Bild- und Klangwucht ein wenig aufgesetzt. Die Stilisierung der Puppe Olympia, die auf sehr genau analysierte Weise ja für den krankfhaften Narzissten Nathanael eine Idealfrau darstellt,  als Weiblichkeitmetapher, wurde vorher an keiner Stelle vorbereitet und geriet auch sprachlich - gerade im Vergleich zur Prosa Hoffmanns - ein wenig platt. Dennoch bietet der Abend, bei dem auch die drei Darstellerinnen bis an die Grenze ihrer körperlichen Leistungsfähigkeit gefordert werden, einen ungemein spannenden, in Zeiten von künstlicher Intelligenz und um sich greifende Automatisierung brennend aktuellen Interpretationsansatz.

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Gespräch mit

SKART / MASTERS OF THE UNIVERSE

Das altersgemischte Kollektiv SKART / Masters of the Universe hat bisher drei gemeinsame Stücke auf Kampnagel entwickelt – LUCKY STRIKE (2014), SCHLARAFFENLAND (2015) und EXODUS (2016) – eine Trilogie über Glücksversprechen, Überfluss und Leere. Die neue Arbeit TUNIX! hat am 1. November Premiere (siehe S. 12). Anna Teuwen, Dramaturgin auf Kampnagel, kennt die Gruppe seit ihrer Gründung und spricht mit Philipp (34), Mark (34), Charlotte (14), An- ton (13) und Annika (11) nach der ersten Probenwoche über ihre gemeinsame Arbeit, über Arbeit generell, über Flow und Faulsein.

Ihr seid jetzt seit 4 Jahren die Gruppe Masters of the Universe – was überzeugt Euch an der Zusammenarbeit?
Charlotte: Wir sind eine altersgemischte Theatergruppe. Wir machen kein Kindertheater, keine Erwachsenenunterhaltung, sondern Glückstheater für alle – wie es so schön auf unseren Flyern steht. Anton: Eine Sache, die bei uns besonders ist, ist, dass wir keine Stücke nachspielen, sondern uns etwas ganz Neues ausdenken. Und nicht Philipp und Mark denken sich das aus und wir müssen das dann machen, sondern wir denken uns alles zusammen aus.
Mark: Charlotte, Anton und Annika sind auf der Neuen Schule in Hamburg, einer Reformschule, in der es möglich ist, dass die Kinder acht Wochen am Probenprozess teilnehmen und jeden Tag auf Kampnagel sind. Das sind professionelle Bedingungen.

Könnt Ihr kurz erzählen, was das Besondere an der Neuen Schule ist?
Annika: Die Neue Schule ist eine demokratische Schule. Wir sind zu fast nichts verpflichtet – nur dazu, uns an Regeln zu halten. Aber die Regeln bestimmen wir selbst. Wir stimmen über jeden ab, der an unserer Schule etwas machen will. Dabei ist uns wichtig, dass der oder diejenige verstanden hat, wie unsere Schule funktioniert. Und natürlich, dass wir das Projekt interessant finden. Philipp: Die Neue Schule ist eine sehr progressive Schule, in der es viel um Eigenverantwortung geht und darum, zu reflektieren. Für uns wart ihr Expert*innen, die sich mit dem auskennen, was wir vorhatten. Am Anfang war noch alles offen, wir haben viel Neues ausprobiert. Mittlerweile hat sich viel schon gefestigt, wir haben bewährte Abläufe, einen gemeinsamen Flow.

Flow klingt gut – könnt ihr mal Euren Flow beschreiben?
Mark: Flow ist, wenn es läuft wie beim Staffellauf, man gibt immer wieder den Stab weiter, und dann katapultiert man sich gegenseitig in die Höhe, es sprüht und schlägt Funken.
Anton: Wir haben einen Flow, wenn wir Texte entwickeln, viel reden und es gut vorangeht.
Charlotte: Jeder wirft was rein, ein paar Fetzen werden mitgeschrieben und dann ist der Text zwar noch nicht ganz fertig, aber meistens schon ganz gut. Ich finde, das sind immer die besten Texte, die so im Flow entstehen.
Was ist die Vorbereitung für die Textarbeit? Wie fangt Ihr an?
Annika: Wir haben uns viele O-Töne angehört und Aus- schnitte von Filmen angesehen. Dann sammeln wir, was uns dazu einfällt und spinnen das weiter. Mark und Philipp bringen meistens Dokumentarfilme mit, weil sie sich dafür interessieren. Charlotte interessiert sich eher für Musikvideos, und wenn sie in der Probenzeit etwas sieht, was zum Stück passt, bringt sie es mit und wir schauen es gemeinsam an. So ist es bei jedem von uns.
Anton: Ich habe bei allen Stücken bisher die Musik gemacht. Das macht mir Spaß. Diesmal bauen wir eine Musik-Maschine, mit der ich komponiere.

Nervt Euch manchmal etwas an der Zusammenarbeit zwischen den Generationen?
Philipp: Früher haben uns Ältere oft genervt, wenn das große Ganze aus dem Fokus geraten ist, denn dann müssen wir die Orga-Typen sein, die daran erinnern, was wir vorhaben. Ich empfinde es als positiv, dass bei euch Jüngeren das Gefühl für die Stimmung, die Verantwortung immer weiter wächst.
Mark: Jetzt, wo sich der Prozess immer besser selbst organisiert, wird es immer angenehmer und schöner.
Charlotte: Für mich sind wir alle eigentlich auf einer ähnlichen Ebene. Mark und Philipp sind nicht solche Erwachsene, zu denen ich netter sein muss, als ich normalerweise wäre. Ich bin mit älteren und mit jüngeren Leuten befreundet. Wenn mich etwas nervt, dann Situationen, in denen ich zu Erwachsenen einen Unter- schied machen muss.

Mark und Philipp, wie seid Ihr eigentlich auf die Idee gekommen, mit Kindern zusammenzuarbeiten?
Philipp: Auf Kampnagel haben wir 2012 VON EINEM, DER AUSZOG, DAS FÜRCH- TEN ZU LERNEN für junges Publikum produziert. Von Anfang an war uns klar, dass wir etwas mit erzählen wollen, was auch für Ältere interessant ist. Wir wollten immer ein altersgemischtes Publikum ansprechen. Daraus ist dann die Idee entstanden, die Stücke direkt mit Jüngeren gemeinsam zu produzieren, da kann man sich dann gleichberechtigter und glaub- würdiger damit beschäftigen, was Erwachsene und Kinder jeweils interessiert – und ob es da überhaupt so große Unterschiede gibt, denn daran glauben wir ja mittlerweile gar nicht mehr. Das, was uns im sogenannten Erwachsenentheater gut gefällt, das kommt meist auch bei den Jüngeren gut an.

Meint Ihr, Kinder und Erwachsene sollten generell mehr zusammen machen?
Charlotte: Solange man sich versteht, soll doch jeder etwas zusammen machen, der will!
Mark: Letztendlich ist es doch so, dass immer gute Sachen passieren, wenn Menschen unterschiedlichster Geschlechter, Herkünfte, Stärken und Interessen angstfrei gemeinsam einen kommunikativen Raum aufmachen. Und zwischen Kindern und Erwachsenen passiert so etwas noch immer viel zu selten – in welchen Bereichen auch immer. Die Menschen unterschätzen sich gegenseitig einfach zu sehr. Philipp: In dieser Hinsicht kann man auch die Institution Schule und die Erwerbsarbeit nochmal überdenken, die ja letztlich verunmöglichen, dass der Alltag in einem in- tergenerationellen Austausch stattfinden kann – schon allein zum Leidwesen von Familien, die nur wenig Freizeit miteinander verbringen können. Wäre in der Wirtschaft noch der gleiche Produk- tivitätsdrang aufrechtzuerhalten, wenn Werte, die den Jüngeren wichtig sind, mehr in die Gesellschaft hinein wirken würden? Umgekehrt halten die Strategien des gemeinsamen Spielens und Zeitverbringens wieder Einzug in die Unternehmenskultur, weil erforscht ist, dass sie zu mehr Leistung und kreativem Output führen. Aberwitzig eigentlich.

TUNIX handelt von Faulheit, wie seit ihr darauf gekommen?
Annika: Das neue Stück hat etwas mit dem Deathbox-Text aus EXODUS, unserem letzten Stück, zu tun. Mit der Frage, was eigentlich passiert, wenn man nichts tut ... Die Bäckerinnen-Szene aus EXODUS setzen wir auch fort.

Charlotte: Wir beschäftigen uns nicht nur mit Nichtstun, sondern auch viel mit Arbeit, warum die Menschen arbeiten, was passiert, wenn man zu viel arbeitet ...
Anton: Über Nichtstun wissen wir Jüngeren viel. Mit dem Arbeiten ist es schwerer, weil wir ja noch nicht arbeiten. Philipp: Bei unseren Publikumsgesprächen ist manch- mal die Frage aufgekommen, was eigentlich Arbeit ist. Aus einer Perspektive – der der Älteren meistens – könnte man sagen: Das, was wir hier machen, ist eine Form von Arbeit für die Jüngeren. Wochenlang täglich Pro- benarbeit. Aus der jüngeren Perspektive wird eher gefragt: Was empfinde ich eigentlich als Arbeit – ist das etwas Spielerisches, das mit Begeisterung im Flow entsteht, oder ist es etwas, mit dem ich Anstrengung verbinde? Ist es eine Last oder eine Quahl?
Charlotte: Für mich ist der Unterschied, dass wir Jüngeren kein Geld dafür be- kommen. Das unterscheidet unser Projekt für mich vom Arbeiten.
Philipp: Ich hatte schon oft Gespräche über das Geld- verdienen. Wenn ich die Möglichkeit hätte, das hier zu tun, ohne Geld damit verdienen zu müssen, ich würde es sofort tun. Zeitraum und Ziel des Projekts wären dann nicht mehr an Geldwerte geknüpft. Anton, Du hast schon öfter überlegt, ob Du beim nächsten Stück wieder dabei sein, oder lieber mal eine Pause machen willst. Ich habe mich gefragt, wie es Deine Entscheidung beeinflussen würde, wenn Du Geld für Deine Beteiligung bekommen würdest. Ich denke, dass es ein Vorteil für die Jüngeren ist, dass sie von Geldfragen unbeschwert entscheiden können.
Mark: Was ich wahrnehme ist, dass wir alle bei unseren Proben versuchen, möglichst wenig Arbeit zu haben. Ich habe diese erste Probenwoche als viel weniger arbeitsintensiv wahrgenommen als früher. Es ist wirklich interessant, dass wir uns vom Arbeiten wegbewegen und stattdessen eher zu einem Gestalten kommen, das uns persönlich Spaß macht.

Bei einem Stück über Nichtstun versucht ihr also, möglichst nicht zu arbeiten?
Mark: Wir haben das wahrscheinlich immer schon versucht – es klappt einfach mittlerweile viel besser.

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Über die revolutionären Kräfte des Theaters mit Kindern
Kampnagel Hamburg stellt Bühnenstücke mit Kindern für erwachsenes Publikum vor

Eine kleine, introvertierte Gemeinschaft mit seltsamen Ritualen in einem dystopischen Setting zwischen Bildschirmflimmern und Steinhaufen und ein illustres Team aus schrillen Einzelgänger-Typen inmitten eines kargen Trümmerfelds nach der Implosion des heilsversprechenden Schlaraffenlandes: Im Frühjahr 2016 waren auf Kampnagel unter dem Stichwort „GenerationISM“ u. a. die Produktionen „Eyes wide open“ der Hamburger Choreografin Barbara Schmidt-Rohr und „Exodus“ der Künstlergruppe SKART/Masters of the Universe zu sehen, zwei Arbeiten, in denen Kinder (auch) vor einem erwachsenen Publikum auftraten. Zwei künstlerische Handschriften, zwei unterschiedliche Konzepte, zwei komplett verschiedene Inszenierungen – aber ein seltsam ähnliches inhaltliches Grundsetting: Nach einem jeweils nicht (weiter) thematisierten apokalyptischen Zwischenfall treffen die Zuschauer auf eine Gemeinschaft von jungen Überlebenden, die sich auf unterschiedliche Weise als solche organisieren – in einer verdichteten Situation absoluter Gegenwärtigkeit, zwischen gescheiterter Vergangenheit und den Gefahren der Zukunft.

Bühnenstücke mit Kindern, die einem erwachsenen Theaterpublikum gegenüberstehen, haben momentan Konjunktur. Fünf solcher Arbeiten, die international Aufsehen erregten, entstanden bei CAMPO im belgischen Gent.² Allen CAMPO-Werken dieser Reihe ist gemeinsam, dass sie von international renommierten Künstlern aus dem Performance-Bereich entwickelt wurden, die üblicherweise nicht mit Kindern arbeiten, und dass die Werke explizit für ein erwachsenes Publikum bestimmt sind. Anders als gewöhnlich in der Theaterarbeit mit Kindern geht es hier nicht primär um die Persönlichkeitsentwicklung der jungen Beteiligten, nicht um den sozialen Faktor, nicht um kulturelle Bildung. Es geht in erster Linie um die künstlerische Qualität der Arbeit – die Kinder auf der Bühne sind performativer Trumpf. Was hat es auf sich mit der kindlichen Präsenz?

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Performancetheater im altersgemischten Kollektiv

Das altersgemischte Ensemble SKART/Masters of the Universe mit Mitgliedern zwischen neun und 33 Jahren arbeitet in leicht veränderter Konstellation seit drei Jahren als Kollektiv zusammen. Mit „Exodus“ zeigt die Gruppe den Abschluss einer Trilogie. Gegründet mit dem Vorsatz „anspruchsvolle Performancekunst für ein generationenübergreifendes Publikum“ zu machen, stehen hier mehrere Ziele im Vordergrund: Performancetheater, das dem professionellen Anspruch erwachsener Zuschauer gerecht wird, das sich aber auch an junges Publikum richtet, sowie ein alternatives Modell (kultureller) Bildung, das sich an dem Prinzip freier Schulen orientiert. Die meisten der beteiligten Kinder besuchen die basisdemokratisch organisierte Neue Schule in Hamburg und sind selbstorganisiertes Arbeiten gewohnt, die Theaterarbeit mit Philipp Karau und Mark Schröppel alias SKART ist Teil des Unterrichts. Die Struktur der Schule erlaubt es, mit den Kindern acht Wochen lang täglich von 10 bis 16 Uhr zu proben – die Performances entstehen also unter professionellen Bedingungen. Über die drei Jahre der kontinuierlichen Zusammenarbeit mit Gastspielen, Publikumsgesprächen und Presseauftritten hat sich eine Teamstruktur mit Aufgabenverteilung ergeben, eine Routine in der Stückentwicklung sowie eine bemerkenswerte eigene Ästhetik. Bei der Zusammenarbeit geht es darum, einerseits den Erfahrungsvorsprung und das Wissen der erwachsenen Künstler zu nutzen, andererseits die Ideen und die performative Kraft der Kinder fruchtbar zu machen; jeder ist auf seine Weise Experte. Die erwachsenen Künstler haben ein Veto-Recht und fungieren als Moderatoren und Leiter des Prozesses, die künstlerische Handschrift von SKART hat den Stil der altersgemischten Gruppe sichtbar geprägt. Dennoch sind alle gleichberechtigter Teil der Gruppe, jede Entscheidung ist für jeden nachvollziehbar, die Wünsche und Einwände jedes Einzelnen werden ernst genommen. Jeder Beteiligte steht vollständig hinter jeder Szene, die auf der Bühne zu sehen ist – das macht sich auch in den Publikumsgesprächen bemerkbar, bei denen selbstverständlich alle mitreden.

„Exodus“ ist ein finsteres Stück. Nachdem es in den vorigen Performances um Glücksversprechen einer materiellen Welt gegangen war und um die Qual des Überflusses, so ist man jetzt am Point of No Return: Die Welt des Zuviel ist implodiert, die letzten Überlebenden bewegen sich in einer Art Vakuum, distanzieren sich vom Publikum und beschäftigen sich mit Gedanken an Tod und Depression. Zu düster und traurig für Kinder zwischen neun und zwölf Jahren, finden einige Erwachsene im Publikum, die oftmals nicht wahrhaben möchten, dass die Texte von den Kindern gemeinsam assoziativ entwickelt wurden. Die typischen Debatten, die die Arbeit des Masters of the Universe-Kollektivs von Zuschauerseite begleiten, handeln von verklärten Bildern, die die Erwachsenen von Kindheit im Kopf haben (möchten), von Unterstellungen und Bevormundungen. Auf der Künstlerseite wird immer wieder an einem Kultur - system gearbeitet, das nicht nach einem hegemonialen Prinzip einen Kanon oktroyiert, sondern das in einem Prozess, der alle Akteure gleichberechtigt beteiligt, immer wieder neu geformt und verhandelt wird – ein Vorgang, der im Kleinen auch Utopie ist für die Entwicklung einer Transkultur für die heterogene Gesellschaft der Zukunft.

Die inhaltliche Setzung beider Produktionen, eine Gruppe von Kindern als Akteure einer zukünftigen Gemeinschaft auftreten zu lassen, scheint symptomatisch zu sein für eine Gegenwart, in der die Erwachsenen sich ratlos vor den gesellschaftlichen Entwicklungen zeigen, orientierungslos vor den Trümmern einer Gemeinschaft, die nur noch Illusion scheint. Es bleibt, der jungen Generation – den Kindern, die in diese Gesellschaft hineinwachsen – das Projekt Menschheit zu überantworten und selbst zurückzutreten. Beide Künstlergruppen arbeiten auch über die inhaltliche Setzung hinaus an der Aufhebung bzw. Umkehrung der Hierarchien zwischen Jung und Alt, sei es formal in der Inszenierung des Aufeinandertreffens von erwachsenem Publikums mit den jungen Performern bei Barbara Schmidt-Rohrs „Eyes wide open“ oder strukturell in der kollektiven Arbeitsweise der Masters of the Universe. Es gibt – so heißt es bei Walter Benjamin – „keinen möglichen Standort für überlegenes Publikum“³. Jeweils auf eigene Weise entsteht hier der Raum für etwas, das man mit Benjamin „das geheime Signal des Kommenden, das aus der kindlichen Geste spricht“⁴ nennen könnte: revolutionäres Potential.

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